Der neblige Morgen an der Saale
Das kalte Aluminium der Kamera an meinen Wangenknochen. Ein vertrauter, fast schmerzhafter Reiz an diesem 18. November. Der Wind drückt vom Fluss herüber, riecht nach nassem Laub und Algen. Alles ist grau in grau. Eine perfekte Lavierung in meinen Aquarellen, aber für meine alte Sony Alpha 6000 eine echte Herausforderung. Ich stehe in der Saale-Aue, die Gräser sind schwer vom Tau. Die Familie vor mir lacht, sie bewegen sich, sie sind echt. Und ich? Ich versuche, dieses diffuse, weiche Licht einzufangen, das keine harten Kanten kennt. Ohne Blitz. Ohne Reflektoren. Nur ich, die Kamera und das, was der Himmel von Halle mir heute schenkt.
In meinen Illustrationen baue ich Licht Schicht für Schicht auf. Erst die groben Flächen, dann die feinen iPad-Linien für die Konturen. In der Fotografie ist es umgekehrt. Das Licht ist da, ich muss es bändigen. Aber die Versuchung, einen Blitz auszupacken? Nein. Ich denke oft: Wenn ich das jetzt mit einem Blitz aufhelle, sieht das Kind aus wie eine Plastikfigur aus einem Werbekatalog, nicht wie ein echtes Wesen. Es verliert die ehrliche Textur des Augenblicks. Die Hautporen, das zerzauste Haar vom Wind – ein Blitz würde das alles glattbügeln, wie eine schlechte Vektorgrafik.
Warum Blitze für mich wie Radiergummis sind
Als ich an der Burg Giebichenstein studiert habe, ging es immer um die Wahrheit im Strich. Ein Blitz im Studio fühlt sich für mich an wie ein Radiergummi, der die Tiefe aus dem Bild nimmt. Er radiert die Atmosphäre weg. Klar, technisch wäre alles perfekt ausgeleuchtet. Aber wo bleibt das Geheimnis? In meinem Atelier im Paulusviertel, dieser umgebauten Hinterhof-Wohnung, arbeite ich fast nur mit dem Licht, das durch die hohen Fenster fällt. Es hat eine Richtung. Es hat Charakter.
Wenn ich heute Familien fotografiere, suche ich genau das. Auch wenn es schwierig ist. Bei meinem Shooting am 18. November war das Licht so schwach, dass ich meine Festbrennweite bis auf 1.8 aufreißen musste. Ein schmaler Grat. Die Schärfe sitzt nur auf einer Wimper, der Rest versinkt in einem weichen Bokeh, das fast wie ein nasser Pinselstrich wirkt. Aber genau das ist es, was die Bilder von der Masse abhebt. Es ist nicht das perfekte Studio-Porträt. Es ist eine Erinnerung.
Das Dilemma am MacBook im Paulusviertel
Nach dem Shooting saß ich wieder an meinem Tisch, umgeben von Skizzenbüchern und Teetassen. Die Enttäuschung kam prompt. Auf dem MacBook sahen die RAW-Dateien – ich hatte etwa 120 davon pro Shooting auf der Karte – flach aus. Tot. Digital. Ohne die Wärme, die ich von meinen analogen Tusche-Arbeiten kenne. Ich hatte im Mai 2024 diesen Lightroom-Kurs angefangen, aber nach Modul 4 war Schluss. Zu linear. Zu viel „Wenn-dann“-Logik. Das bin ich nicht. Ich arbeite intuitiv.
Ich habe gemerkt, dass ich Lightroom wie einen Farbkasten nutzen muss. Nicht als Korrekturwerkzeug, sondern als Stilmittel. In den letzten sechs Monaten habe ich acht Familien begleitet und dabei gelernt, dass der Workflow das Wichtigste ist, um nicht im digitalen Chaos zu versinken. Früher habe ich vier Stunden an einem Auftrag gesessen. Heute spare ich durch meinen Preset-Workflow locker 2.5 Stunden pro Shooting. Das ist Zeit, die ich wieder in meine Illustrationen stecken kann.
Der Wendepunkt: Mut zum harten Schatten
Ein großer Moment war der 22. März. Ein Gartenfest an der Saale. Die Sonne knallte. Jeder Fotoratgeber sagt: Geh in den Schatten. Such das weiche Licht. Aber ich wollte etwas anderes. Ich habe die Familie direkt in den harten Mittagsschatten einer alten Mauer gestellt. Das Licht war grell, die Kontraste extrem. In Lightroom habe ich dann das „Natural“-Preset aus meinem neuen Paket drübergelegt. Plötzlich verstand ich: Schatten sind keine Fehler. Sie sind Tiefe. Sie sind wie die dunklen Tusche-Akzente, die ich setze, um eine Figur vom Hintergrund abzuheben.
Diese harte Bildsprache wirkt oft viel moderner und authentischer als dieses ewig gleiche, kitschige Gegenlicht der „Goldenen Stunde“. Es hat Kante. Es erzählt vom echten Leben in der Stadt, vom Licht zwischen den Häuserwänden in Glaucha oder den Hinterhöfen hier im Viertel. Ich habe gelernt, den Klarheit-Regler wie einen Tusche-Druck einzusetzen – vorsichtig, um Texturen zu betonen, aber ohne die Haut der Kinder zu zerstören. Manchmal muss man den Regler sogar zurückdrehen, damit es nicht zu technisch aussieht.
Lightroom als Pinsel nutzen
Inzwischen fühlt sich Lightroom für mich nicht mehr wie ein fremdes Labor an. Es ist mein digitales Lichtbildlabor. Wenn ich die Tonwertkorrektur bearbeite, denke ich an einen Aquarell-Verlauf. Wie viel Wasser brauche ich für die Transparenz? Wie viel Schwarz für die Kontur? Die „Cinematic“ und „Moody“ Looks aus meinem Preset-Paket helfen mir, die Stimmung zu treffen, die ich schon beim Auslösen im Kopf hatte. Es ist ein Suchen und Finden, genau wie beim Skizzieren.
Ich erinnere mich an einen Shoot im April, als ich fast verzweifelt bin, weil das Grün der Saale-Wiesen so giftig wirkte. Ich habe alles ausprobiert, bis ich den Weißabgleich komplett gegen die Regeln verschoben habe. Das war der Moment, in dem ich begriffen habe, dass ich meine eigene Tonalität finden muss. In meinem Beitrag darüber, warum ich meine Frühlings-Shootings an der Saale jetzt anders editiere, habe ich diese Suche nach dem richtigen Look schon mal aufgeschrieben. Es ist ein ständiger Prozess.
Meine kleinen Erkenntnisse aus dem Lichtbildlabor:
- Lichtkante suchen: Auch ohne Blitz gibt es immer eine Lichtquelle. Ein Fenster, eine helle Hauswand im Paulusviertel, die das Licht zurückwirft. Das ist mein Reflektor.
- Rauschen zulassen: Die Sony Alpha 6000 rauscht bei ISO 1600. Na und? In der Illustration nennen wir das Textur. Ein bisschen Körnung macht das Bild organischer.
- Bildausschnitt intuitiv: Ich schneide oft eng. Wie in einem Kinderbuch-Panel. Der Fokus liegt auf der Geste, nicht auf der perfekten Umgebung.
- Presets als Basis: Ich nutze sie wie eine Grundierung auf der Leinwand. Der Rest ist Handarbeit mit dem Pinsel-Werkzeug in Lightroom.
Am Ende ist es der Mut zur Unvollkommenheit. Ein Foto muss nicht technisch makellos sein, um zu berühren. Es muss sich richtig anfühlen. Wie eine Linie, die man ohne Lineal zieht – sie zittert vielleicht ein bisschen, aber sie hat eine Seele. Wenn du wissen willst, wie ich diese Prinzipien ganz konkret anwende, schau dir an, wie ich Familienshootings an der Saale mit Lightroom Presets bearbeite. Da gehe ich tiefer in die einzelnen Regler, die für mich als Illustratorin Sinn ergeben. Kein Blitz der Welt kann das Gefühl ersetzen, wenn das echte Licht der Stadt auf ein lachendes Gesicht trifft und man genau im richtigen Moment abdrückt.