Dich schneller zum weichen, gemalten Look bringt entweder ein Kurs, der dir Modul für Modul jeden Regler erklärt, oder dein eigenes Auge, das längst weiß, wie ein Bild sich anfühlen soll. Die Frage lasse ich kurz offen. Erst die Szene: Kastanienallee am Händelplatz, Herbstlicht durch halb kahle Äste, eine Familie mit einem Kleinkind, das lieber Blätter sammelt als in die Kamera schaut. Für genau solche Momente in der Familienfotografie in Halle suche ich Lightroom Tipps für den Illustrator Style, die zu meinem Zeichenstil passen – nicht zu einem Lehrplan.
Meine kurze Antwort steht trotzdem schon fest: Über das Gefühl kommst du beim gemalten Look schneller ans Ziel als über das Curriculum. Das heißt nicht, dass der Kurs nichts taugt. Es heißt, dass zwei Wege nebeneinander liegen – der systematische, der dich Regler für Regler durch die Technik führt, und der intuitive, bei dem du zuerst die Stimmung setzt und die Technik der Stimmung folgen lässt. Beide führen zu einem sauberen Bild. Nur eines davon fühlt sich am Ende nach dir an.
Kursweg oder Bauchgefühl für den Illustrator Style
Der Kursweg denkt in Reihenfolge. Erst Weißabgleich, dann Tonwertkorrektur, dann Farbe, sauber abgehakt wie ein Rezept. Für jemanden, der Technik zuerst begreifen will, ist das viel wert. Nur arbeite ich nicht so. Als Illustratorin fange ich nie bei der Regel an, sondern bei der Ahnung, wie das fertige Blatt wirken soll, und taste mich rückwärts zu den Mitteln vor.
Leila Messaoudi, eine befreundete Berufsfotografin, mit der ich ab und zu Bilder tausche, korrigiert mich technisch ohne jede Beschönigung – und meistens hat sie recht. Genau deshalb ist mir eine Sache einmal gründlich danebengegangen: In Lightroom Mobile habe ich die automatischen KI-Korrektionen ungeprüft übernommen und das Bild direkt exportiert. Technisch tadellos. Und völlig seelenlos, der weiche, illustrierte Ton war weggerechnet von einer Automatik, die kein Gefühl für die Geschichte im Bild hat. Seitdem lasse ich die Automatik höchstens vorschlagen, nie entscheiden.
Der Unterschied ist keine Attitüde, sondern eine Frage der Reihenfolge. Systematisch heißt: Werkzeug zuerst, die Wirkung ergibt sich. Intuitiv heißt: Wirkung zuerst, das Werkzeug dient. Bevor ich an einem einzelnen Regler ziehe, frage ich deshalb nur eins – atmet das Bild? Wenn nein, tausche ich zuerst die Grundierung, nicht die Belichtung.
1. Presets als Grundierung, nicht als Endstation
In der Aquarellmalerei beginne ich nie auf weißem Papier, ohne eine Vorstellung der ersten Lasur zu haben. Presets sehe ich genauso: nicht als fertige Lösung, sondern als Grundierung, als Wahl des Papiers. Ich lege einen ruhigen Grundlook drüber und sehe sofort, in welche Richtung das Bild will, statt mich in einzelnen Belichtungswerten zu verlieren. Erst wenn die Basis trägt, forme ich das Licht – so, wie ich es schon bei den Sony Alpha 6000 Einstellungen für natürliche Familienfotos im Freien beim Fotografieren vorbereite.
Im Kurs würdest du hier lernen, jeden Regler einzeln zu verstehen, bevor du ein Preset überhaupt anfasst. Kann man machen. Für den gemalten Look drehe ich die Reihenfolge um – erst die Stimmung als Fläche, dann die Feinheit als Linie.
2. Das giftige Grün muss zuerst weichen
Ein Ärgernis am Händelplatz im Herbst: das Grün, das an milden Tagen noch grell aus den letzten Blättern schlägt. Der Sensor der Sony macht daraus schnell ein Neon-Spektakel, das in keiner meiner Illustrationen vorkäme. Also gehe ich ins HSL-Panel, ziehe die Sättigung von Grün und Gelb deutlich zurück und schiebe den Grünton leicht Richtung Blau. Keine botanische Korrektheit – eine Tonalität wie aus alten Bilderbüchern. Tritt das Grün zurück, fangen die Hauttöne der Kinder an zu leuchten, genau wie ich es im Lightroom Workflow für sanfte Aquarelleffekte immer wieder suche.
Der kurze Wisch nach links im Vorher-Nachher auf dem iPad, und das Aquarell-Gefühl ist plötzlich da – der Moment, in dem das Foto aufhört, ein Datensatz zu sein, und anfängt, ein Blatt zu werden. Kein Regler-Marathon davor, nur die richtige Grundstimmung und ein Grün, das sich zurücknimmt.
3. Klarheit runter, Struktur rauf
In meinen Zeichnungen setze ich Linien hart, aber die Flächen bleiben weich. Lightroom verführt dazu, den Klarheit-Regler hochzureißen, um Details zu betonen – und macht Kindergesichter damit hart und unruhig. Für den gemalten Look ziehe ich die Klarheit oft sogar ins Minus, ein sanfter Schimmer wie unter einem Weichzeichner. Der Struktur-Regler übernimmt dann die Haptik, ohne die Kanten aufzureißen.
Das Rauschen der alten Kamera, das im schwächeren Herbstlicht entsteht, lasse ich meistens drin – es liegt über dem Bild wie die Körnung von schwerem Büttenpapier. Einmal habe ich es sauber weggerechnet und den Export fast schon abgeschickt; dann sah das Bild glatt und leer aus, und ich habe die Rauschreduzierung wieder zurückgenommen. Perfektion ist langweilig. Ein bisschen Korn gibt dem digitalen Bild zurück, was es beim Export sonst verliert.
4. Color Grading heißt Farben mischen
Am Color Grading hänge ich am liebsten. Schatten, Mitteltöne, Lichter – hier mische ich Farben wie auf der Palette. In die Schatten lege ich oft ein kühles, tiefes Blau, eine dunkle Lasur aus Indigo-Tusche; in die Lichter kommt ein warmer Ocker, der an das Nachmittagslicht in der Kastanienallee erinnert. Ob dabei eher ein moody oder ein natürlicher Grundlook trägt, hängt vom Licht ab – die Abwägung dazu steht in Moody vs Natural Look: Welche Presets passen zu deinem Illustrationsstil?. Das Spiel mit Komplementärfarben ist genau das, was wir an der Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle bis zum Umfallen geübt haben.
Für Lotte Felber, eine Keramikerin aus dem Maker-Space, die für ihren Newsletter regelmäßig Lifestyle-Aufnahmen braucht, habe ich neulich genau so gearbeitet. Sie bringt zu jedem Termin ihre eigenen Requisiten mit – Keramiktassen, eine Leinendecke – und die warmen Töne ihrer Becher haben das Color Grading fast vorgegeben. Wenn morgens die Heizung anspringt, riecht es kurz nach eingetrockneter Aquarellfarbe aus genau solchen Bechern neben dem Bildschirm; dann weiß ich sofort, welche Wärme ich in die Lichter mischen will.
5. Die Lichtkante mit dem Pinsel setzen
Licht definiert in der Illustration die Form, und mit dem Maskierungs-Werkzeug mache ich es genauso – kein Aufhellen des ganzen Bildes, sondern gezielte Akzente. Ein Pinselstrich mehr Belichtung auf dem Haarprofil eines Kindes, entlang einer Schulter. Meine Lichtkante. Den Hintergrund nehme ich mit einem radialen Verlauf leicht zurück, damit das Motiv fast freigestellt wirkt, ohne künstlich zu sein.
Den Bildschnitt setze ich oft ungewöhnlich, viel Leerraum nach oben, als müsste dort noch der Text für eine Kinderbuchseite hin. Das nimmt dem Foto die statische Schwere. Was du weglässt, wiegt manchmal schwerer als das, was du zeigst – bei einer guten Zeichnung ist das nicht anders.
Der Kurs und dein Auge: Wann jedes zum Einsatz kommt
Beide Wege haben ihren Platz, und die Wahl hängt weniger vom Können ab als vom Ziel. Nimm den systematischen Kursweg, wenn du die Technik verlässlich reproduzieren willst, im Team arbeitest oder Dateien übergibst – die feste Reihenfolge ist dann ein Sicherheitsnetz, das dich nichts vergessen lässt. Geh den intuitiven Weg, wenn du ein geschultes Auge für Licht und Farbe schon mitbringst und willst, dass das Bild deine Handschrift trägt – dann bremst dich der Lehrplan nur aus. Für den Illustrator Style in der Familienfotografie fällt meine Wahl klar auf das Auge: Lightroom ist kein technisches Monster, sondern ein weiterer Malkasten. Das Diplom editiert kein Bild, aber das Gefühl für Licht, das dahintersteht, bleibt.