Ein schwüler Nachmittag im Juni. Hier in meinem Atelier im Paulusviertel steht die Luft. Das MacBook summt leise, ein monotones Geräusch, das sich mit dem fernen Rattern der Straßenbahn am Steintor mischt. Vor mir auf dem Bildschirm: eine Familie auf der Peißnitzinsel. Eigentlich ein schöner Moment. Aber das RAW-File sieht aus wie grauer Schlamm. Flach. Leblos. Ganz anders als die lebendigen Aquarell-Skizzen, die noch auf meinem Zeichentisch daneben liegen.
Kurzer Hinweis: Ich nutze hier Affiliate-Links. Wenn du darüber etwas kaufst, bekomme ich eine kleine Provision, ohne dass es für dich teurer wird. Ich empfehle nur, was ich in meinem Atelier wirklich nutze und für meine Familien-Shoots an der Saale selbst gekauft habe (oder bei denen ich offen schreibe, dass ich es nicht durchgearbeitet habe).
Das Dilemma zwischen Pigment und Pixel
Als Illustratorin weiß ich genau, wie sich Licht anfühlen muss. Ich weiß, wo die Lichtkante sitzen muss, damit eine Figur Tiefe bekommt. Aber in Lightroom? Da verliere ich mich oft in der Logik der Schieber. Belichtung, Kontrast, Lichter — das fühlt sich manchmal so hölzern an. Nicht wie das Mischen von Pigmenten auf einer nassen Leinwand. In diesen Momenten riecht es im Atelier nach getrockneten Aquarellnäpfen und Kaffee, während ich versuche, der Technik meinen Willen aufzuzwingen.
Besonders schwierig wird es bei Neugeborenen. Die Kleinen halten sich nicht an Belichtungsreihen. Das Licht im Wohnzimmer wechselt ständig, Schatten fallen hart auf die empfindliche Haut. Letzten Winter habe ich zwei Stunden lang manuell an den HSL-Reglern gedreht, um die Hauttöne zu retten. Das Ergebnis? Die Kinder sahen aus wie orangefarbene Plastikpuppen. Ein Albtraum für jemanden, der gewohnt ist, Hautnuancen mit sanften Lasuren aufzubauen. Ich musste lernen, dass man schöne Hauttöne in Lightroom nicht erzwingen kann, indem man jeden Regler einzeln quält.
Presets als digitale Grundierung
Letzten September habe ich angefangen, mit dem Lifestyle-Presets-Paket zu experimentieren. Es war wie eine Offenbarung. Plötzlich hatte ich eine Basis. Eine Grundierung, wie bei einer Leinwand. Das Paket enthält 100 Looks in 13 verschiedenen Stilrichtungen. Für mich als Burg-Absolventin war das anfangs fast zu viel Auswahl, aber ich habe schnell gemerkt: Die Kategorien „Cinematic“ und „Moody“ sprechen meine Sprache.
Wenn ich ein Preset anwende, passiert etwas mit der Bildgestaltung, das ich manuell kaum hinbekomme. Der Fokus verschiebt sich. Weg vom technischen Rauschen, hin zur emotionalen Bildaussage. Wenn ich das „Moody“-Preset auf ein Foto aus der Saale-Aue lege, verwandelt sich das unruhige Hintergrundgrün in einen weichen, tonigen Wash. In diesem Moment spüre ich förmlich, wie die Anspannung in meinen Schultern nachlässt. Das Bild atmet plötzlich.
Warum gerade Eltern von Neugeborenen Presets brauchen
Gerade bei Homestories mit Babys ist das Licht oft unberechenbar. Mal knallt die Sonne durch das Hinterhof-Fenster, mal ist es in der Ecke beim Stillkissen fast zu dunkel. Standard-Presets scheitern hier oft, weil sie die Hauttöne zu sehr verfälschen. Aber die „Natural“-Filter aus dem Paket fangen genau das auf. Sie ordnen das visuelle Chaos. Sie lassen den Fokus dort, wo er hingehört: auf den winzigen, leicht klebrigen Händen des Kleinkinds oder dem erschöpften, aber glücklichen Blick der Mutter.
Die Linienführung der Bearbeitung
In der Illustration nutzen wir Linien, um das Auge zu führen. In der Fotografie übernimmt das oft das Licht und die Tonalität. Meine alte Sony Alpha 6000 liefert mit ihren 24,3 Megapixeln zwar technisch saubere Daten, aber die Ästhetik entsteht erst im Workflow. Da ich Lightroom Classic ab Version 7.3 nutze, kann ich die .xmp-Dateien der Presets perfekt mit meinen eigenen Anpassungen kombinieren. Es ist ein intuitives Arbeiten, fast wie das Setzen von Tusche-Akzenten auf einer Vorzeichnung.
Manchmal verwerfe ich ein Bild auch komplett. Gestern erst: ein Porträt am Galgenberg. Das Licht war zu flach, das Preset konnte die fehlende Spannung nicht retten. Da hilft auch keine Technik. Aber wenn es passt, dann ist das Preset wie ein Katalysator. Es verstärkt die Komposition, die ich schon beim Abdrücken im Kopf hatte. Es ist, als würde ich den Radiergummi weglegen und die finale Linie ziehen.
- Fokus durch Farbreduktion: Weniger ist mehr, genau wie beim Minimalismus in der Grafik.
- Lichtkanten betonen: Presets heben oft subtil die Konturen hervor, die das Motiv vom Hintergrund trennen.
- Atmosphäre statt Schärfe: Ein weicher Look lenkt den Blick oft besser auf die Emotion als jedes gestochene Detail.
Ein zweites Standbein aus Licht und Schatten
Ich bin keine Hochzeitsfotografin und werde es wohl nie sein. Ich brauche keine Blitzanlage und kein Studio mit weißen Leinwänden. Mein Atelier ist mein Rückzugsort, und die Saale-Wiesen sind mein Hintergrund. Dass ich jetzt Familienporträts als zweites Standbein aufbaue, fühlt sich richtig an. Es ist eine Erweiterung meiner Arbeit als Illustratorin. Nur dass ich die Geschichten jetzt nicht mehr nur mit dem Stift, sondern auch mit der Kamera erzähle.
Wenn ich heute ein Shooting abschließe, weiß ich: Die Bearbeitung wird mich nicht mehr frustrieren. Ich habe meine Werkzeuge gefunden. Wer wie ich eher intuitiv arbeitet und keine Lust auf trockene Kurse hat — ich habe ja selbst den Lightroom-Komplettkurs nach Modul 4 abgebrochen, weil mir der Aufbau zu linear war — für den sind gut kuratierte Presets der direkteste Weg zum eigenen Stil. Es geht darum, das Gefühl, das man beim Fotografieren hatte, auf den Bildschirm zu retten. Und wenn das Bild dann diesen weichen, fast gemalten Look bekommt, weiß ich, dass die Brücke zwischen meiner Ausbildung an der Burg und meinem neuen Weg hält.
Falls du auch gerade suchst: Schau dir das Lifestyle-Presets-Paket mal an. Es ist eine Einmalzahlung, was mir als Freiberuflerin sehr entgegenkommt, und hat sich bei mir schon nach dem ersten Auftrag amortisiert. Es hilft dabei, den Blick für das Wesentliche zu schärfen — genau wie eine gute Skizze.