Auf meinem MacBook-Bildschirm sieht die kleine Tochter meiner Freundin gerade aus wie eine Waldfee mit einem ziemlich ungesunden Teint. Ein leuchtendes, fast giftiges Grün schimmert auf ihren Wangen und in den kleinen Fältchen unter den Augen. Wir waren letzten September an den Saale-Wiesen unterwegs, spätnachmittags, das Gras stand hoch und die Sonne knallte noch einmal richtig rein. Eigentlich ein Traum. Aber in Lightroom sieht die Realität gerade eher nach Sumpfmonster als nach Familienidyll aus. Das leise Surren des MacBook-Lüfters im stillen Hinterhof-Atelier ist das einzige Geräusch, während der Geruch von frischer Tusche noch in der Luft hängt. Ich starre auf den Regler für die Farbtemperatur und frage mich: Warum ist es so schwer, ein Gesicht in der Software so warm leuchten zu lassen, wie ich es mit zwei Pinseltrichen in Schmincke-Aquarell hinkriege?
Das Problem mit dem reflektierenden Grün der Saale-Aue
Als Illustratorin denke ich in Pigmenten. Wenn ich ein Gesicht male, mische ich Ocker, ein wenig Kadmiumrot und viel Wasser. Wenn da zu viel Grün reinkommt, wird es grau oder schmutzig. In der Fotografie ist das nicht anders, nur dass das Licht die Farbe mischt. Das hohe Gras an der Saale wirkt wie ein riesiger grüner Reflektor. Es wirft das Licht von unten zurück in die Gesichter. Das Ergebnis? Ein Farbstich, den die Kamera – meine alte Sony Alpha 6000 vom Studium – nicht alleine wegrechnen kann. Trotz APS-C Sensor und den eigentlich tollen 24,3 Megapixeln kommen die Bilder oft flach und eben mit diesem Grünstich aus der Kamera.
Ich habe am Anfang versucht, das mit dem Weißabgleich-Regler zu lösen. Ein bisschen mehr Magenta, ein bisschen mehr Wärme. Aber plötzlich war der ganze Hintergrund matschig braun und das Kind sah aus, als hätte es Sonnenbrand. Der lineare Aufbau dieses Lightroom-Kurses, den ich nach Modul 4 abgebrochen habe, hat mir da auch nicht geholfen. Da ging es um Histogramme und technische Korrektheit. Ich will aber, dass es sich richtig anfühlt. Dass die Lichtkante am Arm so weich ist wie ein Pinselstrich. Ich arbeite intuitiv. Ich muss das Bild erst fühlen, bevor ich die Regler schiebe.
Der HSL-Bereich: Mein digitaler Farbkasten
Nach etwa drei Wochen täglicher Nutzung meines neuen Preset-Pakets kam der Durchbruch. Ich saß hier im Paulusviertel, die Fenster zum Hinterhof weit offen, und habe kapiert: Ich darf nicht das ganze Bild verändern, wenn nur die Haut ein Problem hat. Ich muss selektiv arbeiten. In Lightroom heißt das Zauberwort HSL – Hue, Saturation, Luminance. Für mich ist das einfach mein digitaler Farbkasten. Wenn die Haut im Schatten der Bäume diesen fiesen Blaustich bekommt oder vom Gras grün reflektiert wird, gehe ich direkt an die Farbtöne.
Ich nehme die Sättigung bei Grün und Gelb massiv zurück. Nicht so viel, dass die Wiese stirbt, aber so viel, dass das Giftige verschwindet. Dann schaue ich mir die Luminanz an. Wenn ich Gelb heller mache, fängt die Haut oft an zu strahlen, fast wie bei einer Lasur in der Aquarellmalerei. Man schichtet das Licht quasi übereinander. Das ist viel feiner als stumpf die Belichtung hochzudrehen. Manchmal ist es auch eine Frage des Formats; ich habe lange überlegt, ob ich den Aufwand betreiben soll, aber RAW oder JPEG für Familienfotos macht hier den riesigen Unterschied. Die 14-Bit Farbtiefe der RAW-Dateien meiner Sony geben mir erst den Spielraum, diese Nuancen zu biegen, ohne dass das Bild in Pixelmatsch zerfällt.
Warum der automatische Weißabgleich oft lügt
Die Kamera will immer, dass alles neutral ist. Ein Computer versteht keine Stimmung. Er sieht das Weiß eines T-Shirts und will, dass es exakt weiß ist. Aber an einem späten Nachmittag im Juni an der Saale ist nichts weiß. Alles ist Gold, Orange und tiefes Grün. Wenn ich Lightroom erlaube, alles zu neutralisieren, verliere ich die Seele des Moments. Ich nutze die Pipette für den Weißabgleich nur noch ganz selten als Startpunkt. Meistens ziehe ich den Regler manuell dorthin, wo es warm wird.
Hier kommt mein „Special Trick“ als Illustratorin ins Spiel: Ich verstärke den Farbstich der Sonne sogar noch. Statt das Gelb der Abendsonne zu korrigieren, betone ich es. Das gibt diesen Familienfotos eine emotionale Wärme, die man nicht mit Technik erklären kann. Es ist dieses Leuchten, das wir in der Burg Giebichenstein immer in unseren Skizzen gesucht haben. Ein Bild muss nicht die Realität abbilden, sondern das Gefühl, das man in diesem Moment hatte. Wenn ich also ein Foto habe, das eigentlich zu gelb ist, lasse ich es oft so und korrigiere nur die Hauttöne im HSL-Panel gegen, damit sie nicht ins Orange kippen.
Presets als Grundierung für den Illustrator-Stil
Während der ersten warmen Maitage dieses Jahres habe ich gemerkt, wie viel Zeit ich spare, wenn ich ein gutes Fundament habe. Das Lifestyle-Preset-Paket, das ich seit September 2024 nutze, ist wie eine gute Grundierung auf einer Leinwand. Der „Natural“-Look nimmt oft schon die härtesten Farbstiche raus. Er ebnet den Weg. Aber das Finetuning bleibt Handarbeit. Jedes Gesicht ist anders, jedes Licht im Paulusviertel fällt anders durch die alten Fenster.
Ich habe neulich ein Shooting verworfen, weil ich versucht habe, den „Moody“-Look über ein Mittagssonnen-Foto zu bügeln. Es sah furchtbar aus. Die Farben waren dreckig. Da hilft dann auch keine Farbkorrektur mehr. Man muss lernen, wann ein Licht einfach nicht für Farbe gemacht ist. In solchen Momenten wechsle ich oft komplett die Strategie. Es gibt Tage, da ist der Kontrast so hart oder der Farbstich so unkorrigierbar, dass ich die Farbe ganz rauswerfe. Ich habe dazu mal aufgeschrieben, warum ich Schwarz Weiß Fotos in Lightroom wie Tuschezeichnungen bearbeite – das rettet manchmal Bilder, die farblich einfach eine Sackgasse waren.
Konkrete Schritte gegen Farbstiche in der Natur
- Grün-Reflektionen bändigen: Im HSL-Panel den Farbton von Grün Richtung Gelb schieben und die Sättigung von Grün senken.
- Hauttöne isolieren: Orange ist meistens die Farbe der Haut. Mit der Luminanz von Orange kannst du Gesichter zum Leuchten bringen, ohne den Rest des Bildes aufzuhellen.
- Blau in den Schatten: Wenn die Schatten unter den Bäumen zu kalt wirken, nutze ich das Color Grading Tool, um ein ganz kleines bisschen Wärme (Gold/Orange) in die Tiefen zu mischen.
- Komposition vor Korrektur: Manchmal hilft ein engerer Schnitt, um eine störende, knallbunte Fläche am Rand loszuwerden, die einen Farbstich verursacht. Wie man den Bildausschnitt wählen kann, ohne sich an starre Regeln zu halten, ist sowieso so ein Thema für sich.
Lichtbildlabor-Tagebuch: Eintrag vom 23. Juni 2026
Wieder ein Nachmittag an der Saale verbracht. Diesmal mit der Familie von T. Die Sonne stand tief, perfekt. Aber das Problem war nicht das Grün, sondern das Blau des Himmels, das in die Schatten der Picknickdecke kroch. Ich habe heute gelernt: Trau deinem Auge mehr als dem Histogramm. Wenn die Haut sich „richtig“ anfühlt, ist es egal, was die Software sagt. Ich habe das „Cinematic“ Preset als Basis genommen und dann fast zehn Minuten nur an den Gelbtönen gedreht, bis die Lichtkante am Haar der Mutter genau die Tonalität meiner Lieblings-Aquarellfarbe hatte.
Es ist ein ständiges Experimentieren. Manchmal fühlt es sich noch fremd an, dieses Schieben von Reglern statt des Führens eines Pinsels. Aber wenn dann am Ende dieses eine Bild auf dem Schirm auftaucht, das aussieht wie gemalt, dann weiß ich, warum ich den Laptop mit ins Atelier schleppe. Es geht nicht um die perfekte Korrektur. Es geht darum, den Farbstich so zu biegen, dass er die Geschichte erzählt, die ich im Kopf schon längst skizziert hatte. Natürlichkeit ist am Ende eben kein Zufall, sondern das Ergebnis aus einem guten Preset-Fundament und dem Mut, Farben so zu biegen, wie man sie als Künstlerin sieht. Wer das einmal raus hat, kann mit Lightroom Bilder bearbeiten wie gemalt – und genau das ist es, was meinen Stil hier in Halle ausmacht.