Es ist schwül heute im Paulusviertel. Ein schwerer, warmer Nachmittag im Juli 2026. Ich sitze in meinem Hinterhof-Atelier, das Fenster zum Garten steht weit offen. Das leise Summen meines iPads mischt sich mit dem Klappern der Kaffeetassen aus dem Café im Erdgeschoss, während ich Farbregler schiebe. Auf dem Tisch liegt eine frische Aquarellskizze von der Saale-Aue, daneben leuchtet das MacBook mit einem RAW-Import vom letzten Wochenende. Ich vergleiche die Pigmente auf dem Papier mit den Pixeln auf dem Schirm. Und ich merke: Eigentlich mache ich hier gerade genau dasselbe.
Die digitale Mischpalette: Wenn das HSL-Panel zum Farbkasten wird
Ich erinnere mich noch an Anfang März. Da saß ich deprimiert vor diesem Online-Kurs, den ich mir gekauft hatte. Nach Modul 4 habe ich abgebrochen. Es ging um Histogramme und technische Perfektion, aber mein Kopf funktioniert so nicht. Ich bin Illustratorin. Ich will das Licht fühlen, nicht berechnen. Damals sahen meine Fotos der kleinen L. im Garten an der Saale technisch okay aus – der 24.3 Megapixel Sensor meiner alten Sony Alpha 6000 liefert ja ordentlich ab – aber sie hatten keine Seele. Sie waren blass.
Der Durchbruch kam erst im Mai, an einem hellen Vormittag, als ich begriff, dass das HSL-Panel in Lightroom gar kein technisches Monster ist. Es ist meine Palette. Diese 8 Farben im Panel – Rot, Orange, Gelb, Grün, Aquamarin, Blau, Lila, Magenta – sind wie die Näpfchen in meinem Schmincke-Aquarellkasten. Ich frage mich heute, warum ich Monate gebraucht habe, um zu verstehen, dass Sättigung in Lightroom genau das Gleiche ist wie die Pigmentdichte auf meinem Pinsel. Wenn ich den Orange-Regler nach links ziehe, nehme ich dem Hautton die Schwere, genau wie ich mehr Wasser in mein Ocker mische.
Malerische Tiefe statt klinischer Korrektheit
In der Fotografie wird einem oft beigebracht, dass der Weißabgleich perfekt sein muss. Alles muss „echt“ aussehen. Aber in der Malerei an der Burg Giebichenstein haben wir gelernt: Schatten sind nie einfach nur grau oder schwarz. Sie haben eine Temperatur. Während der Hitzewelle im Juni habe ich eine Familie auf der Peißnitzinsel fotografiert. Das Licht war hart, fast weiß. In der Nachbearbeitung habe ich bewusst einen bläulichen Farbstich in die Schatten gelegt. Ein Tabu für Technik-Puristen, aber für mich der Schlüssel zu dieser malerischen Tiefe.
Gerade diese bewussten Farbstiche in den Schatten erzeugen eine Tonalität, die klinisch korrekte Hauttöne oft vermissen lassen. Es gibt dem Bild eine Stimmung, eine Lichtkante, die man sonst nur aus Bilderbüchern kennt. Ich nutze das „Natural“-Preset aus meinem Paket oft nur als eine Art Grundierung. Wie eine erste, ganz helle Lasur auf dem Papier. Darauf baue ich dann intuitiv auf. Ich schiebe die Regler, bis das Grün der Saale-Wiesen nicht mehr nach knalligem Plastik aussieht, sondern nach diesem tiefen, fast schmutzigen Oliv, das ich so liebe.
Der Workflow zwischen Linie und Licht
Was mir als Illustratorin an Lightroom immer noch fremd vorkommt, ist die Starrheit mancher Funktionen. Aber ich lerne, das System auszutricksen. Der APS-C Sensor mit seinen 23,5 x 15,6 mm bietet mir genug Spielraum, um in den Farben zu wühlen, ohne dass das Bild sofort auseinanderfällt. Wenn ich die Luminanz im Orange-Kanal leicht anhebe, fangen die Gesichter der Kinder an zu leuchten, als hätte ich einen Tupfer Deckweiß gesetzt.
Letzte Woche habe ich ein Foto verworfen, weil ich versucht hatte, es „richtig“ zu bearbeiten. Es war leblos. Erst als ich wieder angefangen habe, Belichtung und Kontrast intuitiv wie eine Illustration zu behandeln, kam der Moment, in dem ich das Bild „gefühlt“ habe. Ich schaue mir das Histogramm gar nicht mehr an. Ich schaue darauf, wie die Farben miteinander tanzen. Ob das Blau des Himmels mit dem Orange der Sandalen harmoniert oder ob sie sich beißen.
Ein Eintrag ins Lichtbildlabor-Tagebuch
Mein Diplom an der Burg hat mir letztlich mehr über Lightroom beigebracht als jeder Technik-Grundkurs. Es geht um Komposition und Farbwirkung. Ein Foto ist für mich kein Beweis für die Realität, sondern eine Skizze eines Gefühls. Wenn ich im September die nächsten Familienporträts mache, werde ich wieder so vorgehen: Erst das Preset als Basis, dann die Farben biegen, bis sie singen. Manchmal hilft es auch, den Vordergrund unscharf zu machen, um die farbliche Harmonie im Zentrum noch stärker zu betonen.
Es ist kein systematischer Prozess. Es ist ein Suchen. Ein Finden. Genau wie im Hinterhof im Paulusviertel, wenn das Licht durch die alten Fenster fällt und ich versuche, genau diesen einen Goldton auf das Papier zu retten. In Lightroom habe ich jetzt die Regler dafür gefunden. Und das ist ein verdammt gutes Gefühl.