Ein teures Objektiv mit großer Blende zerlegt den Vordergrund in Sekunden zu einem butterweichen Schleier – meine kleine Sony Alpha 6000 schafft das nicht, ganz gleich wie nah ich die Linse ans Gras halte. Genau das ist der Irrtum, dem ich lange selbst aufgesessen bin: dass ein unscharfer Vordergrund vor allem eine Frage der Kamera sei. Ist er nicht. Er ist eine Frage der Bearbeitung, und in meinem Lightroom-Workflow für Familienfotografie ist er inzwischen der Schritt, der aus einer Momentaufnahme ein Bild mit echter Bildkomposition und Tiefe macht. Am Saale-Ufer unterhalb der Giebichenstein-Brücke, im hohen Gras kniend, ein lachendes Kind hinter den Halmen im Sucher, ist mir das zum ersten Mal richtig klar geworden – die Schärfentiefe blieb stur, das Foto kam flach aus der Kamera.
Tiefe braucht keine bessere Kamera
Auf dem Bildschirm sehen die Rohdateien danach oft ernüchternd aus. Flach, trotz ordentlicher Auflösung, trotz gutem Licht draußen. Mein kleiner APS-C-Sensor hat bauartbedingt eine größere Schärfentiefe als eine Vollformatkamera, und durch den Formatfaktor verschwimmt der Vordergrund nicht von selbst, so wie ich es mir als Illustratorin wünsche – ich bin es gewohnt, Tiefe über lasierende Farbschichten im Vordergrund zu erzeugen, nicht über Technik. Die Bilder wirken solide, aber ihnen fehlt das Geheimnisvolle: das Gefühl, heimlich durch ein Gebüsch zu blicken und einen echten Moment zu erwischen, statt ihn nur abzufotografieren.
Bildkomposition am Ufer: Der Blick braucht eine Führung
In der Kunsthochschule haben wir viel über das Repoussoir gelernt, dieses Element im Vordergrund, das den Blick in die Tiefe zieht. In meinen Aquarellen setze ich dafür oft nur einen zarten, verwaschenen Farbfleck. In Lightroom versuche ich seit einer Weile, genau das nachzuahmen, und ich arbeite dabei lieber intuitiv als nach einem festen Kurskonzept – dazu ein andermal mehr. Wenn ich heute ein Familienfoto bearbeite, suche ich zuerst nach Linien: Wohin führt der Weg, wohin die Gräser, wohin die Äste, die ich beim Shooting vor die Linse genommen habe? Die sind oft noch zu scharf und lenken ab, statt zu leiten. Gebraucht wird eine weiche Lichtkante, die den Fokus sanft auf die Gesichter schiebt, nicht, um alles matschig zu machen, sondern um die Mitte zu betonen.
Eine Nachbarin, die jeden Morgen die Saale-Route bis zur Elisabethbrücke läuft, hat mich neulich gefragt, warum meine Fotos in letzter Zeit so viel Tiefe haben, fast wie gemalt. Genau diese Frage bringt mich zur eigentlichen Technik dahinter.
Eine Maske statt eines teuren Objektivs
Seit letztem Herbst experimentiere ich mit dem 'Natural'-Look aus meinem Preset-Paket, der meinem Illustrationsstil erstaunlich nahekommt – welcher Preset zu welchem Familienauftrag passt, ist noch mal eine andere Geschichte für sich. Der eigentliche Unterschied kam aber erst mit der KI-Maskierung für die Objektivunschärfe. Lightroom erstellt dabei eine Tiefenkarte des Bildes, fast wie eine Skizze, bei der festgelegt wird, was nah und was fern ist. Ich ziehe den Korrekturpinsel mit dem Apple Pencil über das Glas des iPads, dieses feine Kratzen unter der Spitze wie Kohle auf Papier, und der Bereich im Vordergrund wird vorsichtig weich. Ein kleiner Kniff aus der Malerei hilft dabei: Ich nehme im unscharfen Vordergrund etwas Sättigung raus, genau so, wie ich es mit Aquarellfarben tun würde, um Dinge optisch nach vorn oder hinten zu rücken. Wie man Belichtung und Kontrast in Lightroom intuitiv wie eine Illustration bearbeiten kann, hilft mir dabei, das Gleichgewicht zu halten.
Warum zu viel Unschärfe die Nähe klaut
Zu viel Unschärfe im Vordergrund wirkt bei Familienfotos schnell deplatziert. Sie isoliert die Menschen: Wenn Mutter und Kind zu stark vom Rest der Welt abgeschnitten werden, geht die natürliche Verbundenheit verloren, und das Bild sieht aus wie vor einer Studio-Leinwand, genau das, was ich vermeiden will. Bevor ich überhaupt einen Pinsel ansetze, lese ich erst das Licht und den Schatten im Bild, ein eigenes Thema für einen anderen Tag.
An einem schwülen Nachmittag am Saale-Ufer unterhalb der Giebichenstein-Brücke habe ich versucht, durch hohe Schilfgräser zu fotografieren, und musste die Unschärfe in Lightroom später wieder zurückdrehen, die Halme waren so weichgezeichnet, dass sie wie grüne Flecken auf der Linse wirkten. Hässlich. Manchmal ist weniger mehr, die Umgebung soll spürbar bleiben, nicht verschwinden. Bevor ich Presets als Grundlage genommen habe, habe ich jedes Foto einzeln von Hand nachbearbeitet, ohne roten Faden, jedes Mal von vorn, am Ende sah keine zwei Aufnahmen eines Auftrags wirklich zusammengehörig aus, und genau das hat mich zu den Masken gebracht.
Neulich saß ein Kind mit dem Gegenlicht der Saale direkt in den Augen, hart und stechend, kaum auszuhalten anzusehen. Ich habe die Wirkung des Presets zurückgedreht, bis nur noch ein Rand blieb, und die Stimmung, dieses warme Aufblitzen im Hintergrund, war trotzdem da. Genau das ist die Regel, die ich seitdem befolge: Wenn ich nicht mehr sagen kann, ob ich noch ein Foto oder schon eine Zeichnung vor mir habe, ist es zu viel. Dann drehe ich zurück, bis das Gesicht wieder das Erste ist, was der Blick findet.
Fazit: Tiefe ist eine Entscheidung, kein Objektiv
Das Kitzeln der trockenen Halme an den Unterarmen, während die Kamera ganz nah am Boden liegt, genau dieses Gefühl will ich im fertigen Bild wiederfinden. Ein unscharfer Vordergrund macht die Betrachterin zum Teil der Szene, sie steht mit im Gras, sie beobachtet nicht nur, sie ist dabei. Diese Magie kannte ich vorher nur von Tusche und Pinsel.
Wie ich Hauttöne in Lightroom an meinen Illustrationsblick anpasse, ist noch mal ein eigenes Kapitel, genau wie die Frage, ob RAW oder JPEG die bessere Grundlage für solche Masken abgibt. Manchmal merke ich erst spät, warum ich Schwarz-Weiß-Fotos in Lightroom wie Tuschezeichnungen bearbeite, oft liegt es daran, dass die Tiefe im Farbbild nicht stimmte und ich sie über Kontraste neu aufbauen muss.
Tiefe ist also kein technischer Wert, den eine bessere Kamera einfach mitliefert. Sie ist eine Entscheidung, die am Bildschirm fällt, Maske für Maske, Halm für Halm. Wer nach dem passenden Objektiv sucht, sucht an der falschen Stelle, die eigentliche Frage ist, wo der Blick der Betrachterin zuerst hinfallen soll und wie viel Vordergrund dafür wirklich verschwinden muss. Nicht mehr als nötig. Genau so viel, dass das Gesicht das Ziel bleibt und die Saale im Hintergrund trotzdem spürbar ist.