Drei Klicks. So lange braucht ein fertig gekauftes Reise-Preset, bis es über einem Kindergesicht liegt, und in genau diesen drei Klicks steckt der zäheste Irrtum über natürliche Familienfotos im Freien: dass die richtige Einstellung, ob in der Sony Alpha 6000 oder im Lightroom-Preset, die Arbeit schon für dich erledigt. Tut sie nicht. Ein Porträt vom Marktplatz, Nordseite, im Schatten der Marktkirche, hat es wieder vorgeführt: Preset drauf, und die Wangen des Kindes glühten mandarinenorange. Regler zurück, von Hand hin zu Hauttönen, die nach Haut aussehen. Als Illustratorin in Halle (Saale), die Familien als zweites Standbein fotografiert, sage ich es dir gleich am Anfang — die Einstellung ist der Startpunkt, nicht das Ergebnis.
Der Irrtum mit der einen richtigen Einstellung
Die häufigste Frage, die ich nach einem Shooting bekomme, lautet: Welche Einstellung war das? Als ließe sich der Look aus einer Zahlenreihe nachbauen. Kann er nicht. Zwei Leute, dieselben Werte, dasselbe Preset — und trotzdem zwei völlig verschiedene Bilder, weil das Licht anders fiel und das Gesicht anders stand. Die Einstellung ist nur die halbe Miete, und meistens die kleinere Hälfte.
Ein gekauftes Preset ist wie die Untermalung einer fremden Hand: Die Farbentscheidung ist gefallen, bevor du überhaupt hinschaust. Auf einer Herbstwiese sieht der Look toll aus, auf einer Kinderwange kippt er ins Orange. Deshalb meine Regel, bevor ich einem Preset ein Gesicht anvertraue — die Wange gegen etwas Neutrales prüfen: das Weiß im Auge, eine graue Mauer im Hintergrund. Glüht die Haut, nehme ich den Look sofort wieder herunter. Wie ich Hauttöne danach im Einzelnen ziehe, ist ein Kapitel für sich.
Das leistet die Sony Alpha 6000 bei Familienfotos im Freien.
Viel Geheimnis steckt nicht in der Kamera. Meine Sony Alpha 6000 hat einen APS-C-Sensor mit 24,3 Megapixeln, sie ist die einzige Kamera in meinem Workflow, ein Überbleibsel aus der Studienzeit an der Burg Giebichenstein, und sie schreibt Rohdateien im ARW-Format. Das ist die ganze Ausrüstung. Kein Vollformat, kein Blitzkoffer. Die 24,3 Megapixel geben mir genug Fläche, um den Bildschnitt später neu zu setzen — so, wie ich bei einer Illustration den Rahmen noch einmal verschiebe, wenn die Komposition erst am Papier zu atmen anfängt.
Zwei Dinge halte ich fest, der Rest bleibt bewusst schlicht. Rohdatei statt fertiges JPEG, damit im Schatten noch etwas zu holen ist. Und der kontinuierliche Fokus, der an den Gesichtern klebt, während ein Kind über den Platz fegt. Blende weit auf, dann zerfließt der Hintergrund in diese Unschärfe, die ich in Zeichnungen mit Wasser und Schwamm erzeuge. Mehr Knöpfe drehe ich nicht, weil die Kinder nicht warten, bis ich ein Menü verstanden habe. Ob ich lieber in ARW oder JPEG arbeite, hat seine eigene längere Geschichte.
Das Licht lesen, bevor du das Preset lädst
Überall heißt es, die Goldene Stunde sei Pflicht. Alle jagen dieses warme, orangefarbene Leuchten. Für den weichen, illustrativen Look, den ich suche, ist das oft zu viel Zuckerguss — und im harten Licht frisst die Sony die Lichter aus, ein weißer Himmel ist weg wie ein Loch im Papier. Mein Platz ist stattdessen der offene Schatten. Am Marktplatz die Nordseite, wo die Marktkirche mittags einen breiten, ruhigen Schatten wirft.
Im offenen Schatten bleibt die Haut weich, keine harten Kanten unter den Augen, nur gefiltertes, geerdetes Licht. Das ist wie das Arbeiten auf getöntem Papier: Du startest nicht bei grellem Weiß, sondern bei einem sanften Mittelton. Rike, meine Nachbarin und erste Kundin, hat mir nach so einem Mittagstermin am selben Abend geschrieben, die Bilder seien ruhiger als alles, was sie vom Spielplatz kennt. Belichtet wird dabei lieber eine Spur knapper, weil die Kamera Schatten besser rettet als Lichter. Wie hartes Licht auf Gesichtern wirkt, ist ein Thema für einen eigenen Eintrag.
Presets sind die Grundierung, nicht das fertige Bild
Ein Preset ist bei mir die erste Lasur, mehr nicht. Darüber kommt die Handarbeit: die Tiefe in den Schatten anheben wie ein Aquarell-Verlauf, der ins Dunkle läuft, am Ende die Lichtkante betonen, damit das Gesicht aus dem Hintergrund tritt. Welcher gekaufte Look — Moody, Natural — überhaupt zu welcher Familie passt, ist eine eigene Abwägung. Neben dem Bildschirm liegt oft eine Aquarellskizze, und ich schiebe die Regler, bis die Datei denselben ruhigen Ton hat wie das Papier. Diese Bildbearbeitung wie gemalt ist der eigentliche Kern, nicht die Zahl in der Kamera.
Wandle ich ein Marktplatz-Porträt in Schwarzweiß um, kommt die Linienführung durch wie in einer Tuschezeichnung — die Kante zwischen Wange und Schatten, klar wie mit dem Pinsel gezogen. Merle, mit der ich das Atelier teile, schaut über die Schulter und sagt nüchtern, ob ein Ton sitzt oder nicht, kein Drumherum. Solche zwei Sätze retten mich öfter als jedes Tutorial. Meine ehrlichen Erfahrungen mit dem Lifestyle Presets Paket stehen in einem eigenen Eintrag; hier zählt nur, dass der Look nie fertig aus der Dose kommt.
Weniger Regler, mehr Auge
Weniger Regler, mehr Auge: darauf läuft es hinaus. Am Nordfenster im Atelier liegt das Morgenlicht kühl und flach auf dem Schreibtisch, kein warmes Glühen, das die Farben am Bildschirm schönfärbt; genau dort sortiere ich, welche Aufnahmen tragen. Es sind fast immer die, bei denen ich auf das Gesicht geachtet habe und nicht auf die Skala im Sucher. Warum ich lieber dem Auge folge als einem starren System, steht in meinen 5 Tipps für den Illustrator Style.
Wenn du selbst so eine ältere Kamera im Schrank hast, dann hör auf, nach der einen perfekten Einstellungskombination zu suchen. Stell wenige Dinge fest ein — Rohdatei, weiches Licht, knappe Belichtung —, such dir den offenen Schatten und kümmere dich um den Rest von Hand. Nicht die Zahl auf dem Rad macht das Bild natürlich, sondern der Blick, mit dem du hinschaust. Und genau der trägt jede Familie am Ende aus dem Bild heraus.