Spätnachmittag im Atelier im Paulusviertel. Die Sonne wirft lange, schräge Schatten auf den Dielenboden, während ich hier sitze und auf den Bildschirm starre. Staub tanzt im Licht. Vor mir: die blassen JPEGs vom letzten Saale-Shooting. Sie sehen flach aus. Wie ein Ausdruck auf billigem Kopierpapier, bei dem die Farben schon beim Anschauen verblassen.
Ich bin Illustratorin. Ich denke in Schichten. Wenn ich ein Aquarell beginne, brauche ich Papier, das Wasser verträgt. Viel Wasser. JPEGs fühlen sich für mich oft wie ein fertiger Druck an. Man kann kaum noch etwas ändern, ohne dass die Ränder ausfransen oder die Farben „brechen“. Letzten November habe ich zum ersten Mal begriffen, warum das für meine Familienfotos nicht reicht.
Der Unterschied, den man fühlt (nicht nur misst)
In der Theorie klingt das alles so technisch. 8-Bit gegen 14-Bit. Die Sony Alpha 6000, meine alte Begleiterin aus der Burg-Zeit, liefert mit ihren 24,3 Megapixeln eigentlich genug Futter. Aber ein JPEG ist eben nur ein 8-Bit-Abzug. Die Kamera entscheidet für mich, wie das Licht aussieht. Als würde mir jemand beim Skizzieren den Stift aus der Hand nehmen und sagen: „So, fertig.“
An einem grauen Februarmorgen saß ich an einem Porträt von K. und ihrer Tochter. Das Licht war schwierig, typisch Halle im Winter. Das JPEG war okay, aber die Nuancen in den Gesichtern fehlten. Da habe ich mich an die 14-Bit Farbtiefe der RAW-Dateien erinnert. Es ist wie der Unterschied zwischen einem einfachen Filzstift und einem ganzen Kasten feiner Aquarellfarben. Man hat einfach mehr Raum zum Atmen. Wenn du wissen willst, wie du das Beste aus deiner Kamera rausholst, schau dir mal meine Sony Alpha 6000 Einstellungen für natürliche Familienfotos im Freien an.
Das Experiment auf der Peißnitzinsel
Anfang Mai wollte ich es wissen. Ein Familien-Shooting auf der Peißnitzinsel. Ich habe die Kamera auf „RAW + JPEG“ umgestellt. Ein direkter Vergleich. Doppelte Dateien, doppelter Speicherplatz, aber ich wollte den Beweis für mein Bauchgefühl. Ich wollte sehen, wie meine geliebten Moody-Presets auf beide Formate reagieren.
Zu Hause im Hinterhof-Atelier kam der Moment der Wahrheit. Das leise Surren des MacBook-Lüfters im stillen Raum, während ich beobachte, wie die Zeichnung in den weißen Wolken am Saale-Ufer im RAW-Modul plötzlich wieder auftaucht. Im JPEG waren sie einfach nur weiß. Ein Loch im Bild. Im RAW waren da plötzlich Strukturen, zarte Graustufen, fast wie eine Bleistiftschraffur unter einer Lasur. Ein kurzes, erleichtertes Aufatmen, als der Regler für die Tiefen die Gesichter der Kinder hell macht, ohne dass das Bild verrauscht wie eine schlechte Kopie. Das ist der Moment, in dem man merkt: Das Bild lebt noch.
Warum RAW manchmal auch eine Falle ist
Aber es gibt eine Kehrseite. Das ist die Sache, die mir als Illustratorin erst später klar wurde. RAW-Dateien sind für Familienfotos oft kontraproduktiv, wenn man sich darin verliert. Der endlose Bearbeitungsaufwand kann den Blick für den flüchtigen, authentischen Moment trüben. Manchmal fummelt man so lange an der Tonalität herum, bis das Gefühl der Situation weg ist. Und die Archivierung? Ein Albtraum für mein kleines MacBook.
Trotzdem: Für meinen Stil, der eher in Richtung Moody vs Natural Look geht, ist das Rohformat unverzichtbar. Es verzeiht Fehler. Wenn ich während der Golden Hour letzte Woche mal wieder zu sehr auf die Gesichter geachtet und den Hintergrund überbelichtet habe, rettet mir das RAW den Hintern. Es ist mein Sicherheitsnetz.
Ich habe oft das Problem, dass Bilder zu blass aus der Kamera kommen, aber mit dem RAW-Workflow habe ich die Kontrolle zurückgewonnen. Es fühlt sich jetzt mehr nach „Malen“ an und weniger nach „Korrigieren“. Ich bleibe dabei, auch wenn die Festplatte ächzt. Es ist die Freiheit, das Licht so zu biegen, wie ich es früher mit dem Pinsel getan habe.
Keine Foto-Akademie-Weisheit, einfach nur meine Erfahrung aus dem Paulusviertel: Nimm RAW, wenn du dein Bild hinterher noch „fühlen“ willst. Nimm JPEG, wenn du einfach nur dokumentieren willst. Ich? Ich will fühlen.