Ich sitze im Atelier, die Fenster zum Hinterhof im Paulusviertel weit geöffnet. Die Luft ist noch warm vom Tag, aber das Licht wird weich. Auf meinem MacBook flimmert ein Foto von K. und ihrer kleinen Tochter, aufgenommen unten an der Saale-Aue. Ein schöner Moment. Aber da, im Hintergrund: eine grellorangefarbene Mülltonne. Ein Fremdkörper, der meine ganze Komposition zerreißt.
Der Fremdkörper im Bild – Wenn die Realität meine Skizze stört
Als Illustratorin bin ich es gewohnt, die Welt zu ordnen. Wenn ich eine Kinderbuchseite skizziere, setze ich jeden Strich mit Absicht. Ich entscheide, wo ein Baum steht, wie die Linienführung das Auge leitet. In der Fotografie ist das anders. Die Realität nimmt keine Rücksicht auf meine Bildidee. Sie wirft Stromleitungen in den Himmel oder platziert Mülltonnen genau dort, wo ich Ruhe brauche.
Ende Mai war das besonders schlimm. Ich hatte diese ersten Versuche mit der alten Sony Alpha 6000 gemacht. Mit ihren 24,3 Megapixeln fängt sie erstaunlich viel ein – leider auch jeden Zigarettenstummel im Gras. Durch den Crop-Faktor von 1,5 rücken Details oft näher heran, als man denkt. Was beim Blick durch den Sucher noch nebensächlich wirkte, schreit mich jetzt auf dem Bildschirm förmlich an. Es stört den Vordergrund und die Tiefe in meinen Familienporträts, die ich so mühsam aufzubauen versuche.
Warum der klassische Kopierstempel oft scheitert
Anfangs habe ich versucht, diese Dinge mit dem alten Kopierstempel-Werkzeug zu lösen. Das war frustrierend. Ich kenne das Prinzip vom digitalen Malen, aber auf Fotos wirkt es oft unnatürlich. Ein Klick auf das Gras, ein Klick auf die Mülltonne – und plötzlich hatte ich ein Muster im Boden, das aussah wie eine schlecht geklebte Tapete. Die Textur wiederholte sich. Es sah „bearbeitet“ aus. Und genau das will ich nicht.
In meinen Illustrationen nutze ich den Negativraum, um dem Motiv Luft zum Atmen zu geben. Ein Foto braucht das auch. Wenn ich aber versuche, eine Stromleitung aus dem Himmel über der Saale zu radieren, und Lightroom nur die Pixel von links nach rechts schiebt, entstehen hässliche Kanten. Es war ein schwüler Nachmittag im Juli, als ich fast aufgegeben hätte. Ich starrte auf die Lichtkante an den Haaren des Kindes und die dämliche Leitung im Hintergrund. Es fühlte sich an, als würde ich versuchen, ein Aquarell mit einem dicken Filzstift zu korrigieren.
Der Wendepunkt: Generatives Entfernen als digitaler Pinsel
Dann kam das Update. Adobe Firefly integriert in Lightroom. „Generatives Entfernen“ heißt das Zauberwort. Ich war skeptisch. KI klingt für mich oft nach künstlicher Glätte, nach etwas, das die Seele aus dem Bild nimmt. Aber nach etwa zwei Wochen täglicher Bearbeitung Anfang August merkte ich: Das ist kein Schummeln. Das ist wie das Übermalen einer Fläche mit sauberer Aquarellfarbe.
Ich nehme mein iPad, öffne den mobiler Workflow für Familienfotos und nutze den Stift. Das leise Kratzen des Apple Pencils auf der matten Displayfolie, während ich versuche, eine Stromleitung aus dem Himmel über der Saale zu radieren, beruhigt mich fast. Lightroom „versteht“ plötzlich den Kontext. Es weiß, wie der Himmel dahinter aussehen müsste. Es ist nicht mehr nur Pixel-Schieben. Es ist Bild-Ergänzung.
Ich frage mich manchmal, ob ich die Realität zu sehr verbiege. Aber dann erkenne ich: Ich male mit Licht, genau wie ich mit Tusche male. Die Mülltonne war nie Teil meiner Geschichte. Warum sollte sie dann im Bild bleiben?
Die Ruhe im Bild finden – Wann Löschen der falsche Weg ist
Mit der Zeit habe ich etwas Wichtiges gelernt: Nur weil ich alles entfernen kann, sollte ich es nicht tun. Ein zu cleanes Bild wirkt steril. Es verliert den „Natural“-Look, den ich an meinen Preset-Experimenten so schätze. In meinen Illustrationen lasse ich auch mal einen Klecks stehen oder eine Linie unsauber auslaufen. Das gibt Charakter.
Anstatt störende Elemente pedantisch zu entfernen, solltest du sie gezielt als natürlichen Bildrahmen nutzen, um den cleanen Look durch echte Tiefe statt durch sterile Leere zu erreichen. Manchmal lasse ich den unscharfen Ast am Rand bewusst stehen, anstatt ihn wegzuretuschieren. Er rahmt das Gesicht der Mutter ein. Er gibt dem Bild eine Verankerung in der echten Welt. Es geht darum, die Essenz des Moments zu schälen, nicht eine künstliche Welt zu erschaffen.
Wenn ich heute ein Foto bearbeite, frage ich mich immer: Hilft dieses Element der Geschichte? Oder lenkt es nur ab? Wenn es ablenkt, verschwindet es mit einem sanften Pinselstrich. Wenn es aber Tiefe gibt, darf es bleiben – auch wenn es nicht perfekt ist. Das ist der Moment, in dem ich mich in Lightroom am wohlsten fühle: Wenn die Technik mir hilft, so intuitiv zu arbeiten, wie ich es bei der Belichtung und dem Kontrast in meinem Illustrator-Stil gelernt habe.
Fazit aus dem Hinterhof-Atelier
Mein Lightroom-Tagebuch füllt sich. Diese Woche war es die Erkenntnis, dass weniger oft mehr ist. Die KI-Tools sind mächtig, aber mein Auge als Illustratorin trifft die Entscheidung. Ein sauberer Look entsteht nicht durch das Fehlen von Fehlern, sondern durch die Klarheit der Komposition. Ich klappe das MacBook zu. Draußen im Paulusviertel gehen die ersten Straßenlaternen an. Morgen geht es wieder an die Saale – diesmal achte ich vielleicht schon beim Fotografieren darauf, wo die Mülltonnen stehen. Aber wenn nicht? Dann weiß ich ja jetzt, wie ich sie sanft verschwinden lasse.