Ich sitze an einem grauen Dienstagnachmittag im Atelier-Café im Paulusviertel und starre auf den Bildschirm meines MacBooks. Vor mir liegt ein Foto von kleiner L. in der Saale-Aue, aufgenommen im letzten Spätsommer. Technisch ist alles da – die Schärfe sitzt, die Sony Alpha 6000 mit ihren 24,3 Megapixeln hat jedes Grashalm-Detail eingefangen. Aber emotional? Völlig flach. Es sieht aus wie ein Beweisfoto, nicht wie eine Erinnerung.
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Das Problem mit der Realität: Wenn der Sensor zu ehrlich ist
Als Illustratorin bin ich gewohnt, Welten zu erschaffen. Wenn ich mit Aquarell und Tusche arbeite, lege ich Schicht um Schicht, um Tiefe zu erzeugen. Die rohen Dateien aus meiner Sony wirken dagegen fast aggressiv realistisch. Jede Hautunreinheit, jedes grelle Sonnenlicht-Reflex auf dem Wasser – es ist mir zu laut. Ich suche die Weichheit, die ich aus meinen Kinderbuchillustrationen kenne. Eine Tonalität, die eher atmet als schreit.
Letztes Jahr im Herbst, während der ersten Nebeltage an den Saale-Wiesen, wurde mir das besonders klar. Ich fotografierte eine junge Familie im Schilf. Das Licht war diffus, eigentlich perfekt. Aber auf dem Chip wirkte alles grau-blau und kalt. Ich wollte dieses wohlige Gefühl von „Eingemummeltsein“, das ich in meinen Skizzenbüchern mit warmen Sepia-Tönen und tiefem Umbra löse. In Lightroom wusste ich anfangs gar nicht, wo ich anfangen sollte. Ich habe Regler geschoben, bis die Gesichter aussahen wie aus Plastik. Frustrierend.
Warum ich nach Modul 4 aufgegeben habe
Ich dachte, ich müsste es „richtig“ lernen. Also habe ich mir den Adobe Lightroom Classic Komplettkurs geholt. 40 Lektionen, alles streng linear. Ich habe mich durch die Bildorganisation gequält, habe gelernt, wie man Kataloge strukturiert. Aber als es zur Histogramm-Theorie kam, ist mein Kopf ausgestiegen. Ich saß da, starrte auf die Kurven und versuchte, die Theorie auswendig zu lernen – und dabei habe ich völlig vergessen, warum ich das Foto überhaupt gemacht hatte. Der Moment, das Gefühl für die Bildgestaltung, war weg.
Nach Modul 4 habe ich abgebrochen. Ich bin keine Technikerin. Ich bin Illustratorin. Ich arbeite intuitiv. Ich muss ein Bild fühlen, bevor ich es fertigstelle. Dieser systematische Aufbau widersprach meinem kreativen Chaos im Kopf. Ich brauchte keine Theorie über Tonwertspreizung, ich brauchte eine „Licht-Stimmung“, die ich anfassen kann. Ein Werkzeug, das so funktioniert wie meine Farbmischpalette im Atelier im Paulusviertel.
Die Entdeckung der „Moody“-Tiefe
Der Wendepunkt kam im September 2024. Ich habe ein deutsches Preset-Paket für Reise- und Landschaftsfotografie ausprobiert. Eigentlich für Berge und Wälder gedacht, aber ich dachte mir: Die Saale-Aue ist ja auch irgendwie Landschaft. In dem Paket stecken 100 Looks in 13 Stilrichtungen. Ich habe das erste „Moody“-Preset über eine Aufnahme im hohen Gras gelegt und plötzlich passierte es: Ein tiefes Ausatmen und Entspannen der Schultern. Die harten Kontraste der Mittagssonne verwandelten sich in einen weichen Illustrations-Stil.
Plötzlich hatte das Bild eine Lichtkante, die ich sonst nur mit dem iPad-Stift mühsam einzeichne. Das kühle Blau des Saale-Wassers auf dem Bildschirm verwandelte sich in ein tiefes, warmes Petrol. Genau das ist es, was ich suche: Eine Bildkomposition, die nicht nur abbildet, sondern eine Geschichte erzählt. Die „Moody“-Presets nehmen die Sättigung dort raus, wo sie stört, und geben den Schatten eine Farbigkeit, die an klassische Ölmalerei erinnert. Das passt zu meinem Stil, zu meiner Art, die Welt in Halle zu sehen.
Zwischen Neugeborenen und dunklen Schatten: Ein Balanceakt
Aber es gibt eine Sache, die ich als Illustratorin erst lernen musste: Moody-Looks bei Neugeborenen sind ein Minenfeld. Das ist mein kleiner „Inner Truth Moment“. In der Theorie lieben wir diese dunklen, atmosphärischen Bilder. Aber wenn man ein drei Wochen altes Baby fotografiert, das ohnehin noch eine sehr unruhige, manchmal rötliche oder gelbliche Haut hat, kann ein Moody-Preset alles ruinieren. Die Schatten werden in den Hautfalten zu matschig, das Kind sieht plötzlich kränklich aus statt geborgen.
Ich habe gelernt, dass ich bei Neugeborenen-Shootings an der Saale – oft im Schatten der alten Weiden – die Moody-Presets nur als Basis nutze. Ich muss den Weißabgleich extrem feinfühlig nachjustieren. Meistens ziehe ich die Belichtung wieder ein Stück hoch und nutze die HSL-Regler, um die Rottöne in der Haut zu beruhigen. Es ist wie beim Lasieren in der Aquarellmalerei: Man darf den Grundton nicht ersticken. Moody bedeutet für mich nicht „finster“, sondern „bedeutungsschwer“. Der Fokus muss auf der Zartheit des Kindes bleiben, während die Umgebung in diesen malerischen, dunklen Tönen versinkt.
Mein Workflow: Vom Café-Tisch zum Fotodruck
Was ich an dem Lifestyle-Presets-Paket wirklich schätze, ist die Flexibilität. Ich entwickle die ersten Ideen oft direkt nach dem Shooting im Café, auf dem iPhone oder iPad in Lightroom Mobile. Da die Presets sowohl als .xmp für das MacBook als auch als .dng für Mobile kommen, sehe ich sofort, ob der Look funktioniert. Das leise Klicken meiner Maus später im stillen Atelier, wenn ich die letzten Details am MacBook finalisiere, ist fast meditativ.
Ich nutze die Presets jetzt seit etwa drei Monaten in meinem festen Workflow für Familien-Lifestyle-Aufträge. Es hat mir geholfen, mein zweites Standbein in Halle aufzubauen, ohne meine Identität als Burg-Absolventin zu verlieren. Ich bin keine Hochzeitsfotografin mit Blitzanlage. Ich bin die Frau, die mit einer alten Sony durch die Saale-Wiesen streift und Bilder macht, die aussehen wie gemalt. Wer tiefer in die Materie einsteigen will, ohne sich in Kursen zu verlieren, sollte mal Landschafts-Presets für Porträts nutzen – das hat bei mir den Knoten gelöst.
Fazit: Intuition schlägt Curriculum
Heute, im August 2026, schaue ich auf die letzten Monate zurück und bin froh, dass ich den linearen Weg abgebrochen habe. Meine Fotos müssen nicht „korrekt“ nach Lehrbuch entwickelt sein. Sie müssen sich richtig anfühlen. Wenn ich ein Foto von einer Familie am Galgenberg bearbeite, dann will ich das Gold der Abendsonne so spüren, wie ich es auf einem Cover für ein Kinderbuch malen würde. Die Moody-Presets geben mir das Gerüst, die Freiheit der Bearbeitung bleibt bei mir.
Für alle, die wie ich eher visuell und weniger technisch denken: Traut euch, Presets zu „zweckentfremden“. Ein Look, der für einen nebligen Wald in Schweden gedacht ist, kann genau das Richtige für ein herbstliches Familienporträt in Glaucha sein. Falls ich mal ganz feststecke und Lightroom nicht reicht, habe ich noch Bildbearbeitung Landschaftsfotografie mit Photoshop auf meiner Liste – aber momentan genieße ich die Einfachheit meines Preset-Workflows viel zu sehr.
Wenn du auch weg willst vom sterilen Digital-Look und hin zu mehr Tiefe in deinen Bildern, schau dir das Lifestyle-Presets-Paket an. Es ist für mich die perfekte Brücke zwischen Fotografie und Illustration gewesen – und hat sich nach dem ersten Auftrag im Paulusviertel schon mehr als bezahlt gemacht.